¡Sorpresa! Ya puedes reservar GIALLO MOVIE POSTERS Vol. 4 en la página web. Además de elegir entre la edición regular de tapa blanda y la edición limitada de tapa dura, también ofrecen varios packs. La tan esperada funda para los volúmenes de tapa dura también está disponible en algunos packs. Como siempre, recuerda: la edición limitada de tapa dura, así como algunos packs, solo estarán disponibles hasta el final del periodo de reserva, el 1 de julio.
Pedidos aquí.
Nacido en Madrid en 1971 Victor Matellano ha cimentado su carrera cinematográfica principalmente dentro del cine fantástico y terror.
Tras numerosos cortometrajes como los seleccionados para los premios Goya "Tío Jess" (2012) o "La cañada de los ingleses" (2014) debuta en el campo del largometraje con el documental "Zarpazos! Un viaje por el Spanish Horror" (2014) en el que intervienen Joe Dante, Colin Arthur, Jorge Grau, Eugenio Martín Márquez o Paco Plaza entre otros.
Su primer largometraje de ficción, estrenado internacionalmente, es "Wax" (2015) , protagonizado por Jack Taylor, Geraldine Chaplin y Jimmy Shaw.
Entre su filmografía destacan "Vampyres" (2015), "Stop Over in Hell/ Parada en el infierno" (2017), "Regresa El Cepa" (2019), "Mi adorado monster" (2021) o "Llámame Paul (Call me Paul)" (2024).
Además Víctor Matellano ha participado en más de una treintena de libros de cine como autor en obras individuales y colectivas.
La Muestra de cine Lo + Prohibido proyectará su último largometraje como director "Aquel último tiburón" (2025) co-dirigido junto a Ángel Sala y "Wax" (2015) como homenaje al recientemente fallecido actor Jack Taylor, "Butaca de Honor" de Artistic Metropol en 2014.
Con la colaboraciíón de 39 Escalones Films.
El cine quinqui no nace oficialmente hasta la Navidad de 1977 con Perros callejeros, pese al precedente de Muerte de un quinqui en 1975. El filme de José Antonio de la Loma demostró ser rentable: congregó cerca de dos millones de espectadores y superó los 170 millones de pesetas en taquilla. Este éxito comercial abrió la puerta a una proliferación de títulos con la misma fórmula.
El género retrataba a jóvenes marginados de las periferias urbanas y su deriva delictiva, especialmente ligada a la droga, como espejo de la transición española. Su seña de identidad fue el casting: se apostaba por adolescentes de esos mismos barrios, muchos con historial delictivo, que encarnaban sus propias experiencias. De ahí surgió un star-system propio protagonizado por figuras como José Luis Manzano, José Luis Fernández “Pirri” y Ángel Fernández Franco “El Torete”.
Juan Piquer Simón aprovechó el tirón de este tipo de películas y con el seudónimo de Alfredo Casado, escribió el guion, además de desarrollar las tareas de productor ejecutivo. Para las labores de dirección, escogió a Tomás Aznar, valenciano como él, tras haber colaborado juntos, con buenos resultados en taquilla, en El libro del buen amor (1975)
ESPECIFICACIONES:
• Edición francesa de Le chat qui fumé
• Más allá del terror - 1980 - 1h24 - España - Relación de aspecto 1.66:1 - Versión sin cortes
• BLU-RAY - 1920x1080/24p
• Español DTS-HD MA 2.0 Mono
• Subtítulos en francés
• Estuche Slipcase con funda
SINOPSIS: Tres motoristas huyen tras un robo fallido y, al anochecer, irrumpen en una casa aislada. En esta vivienda, habitada por una anciana y un niño, los delincuentes cometen un acto irreparable: prenden fuego a la casa, causando la muerte del pequeño. Sin saberlo, los motoristas han despertado fuerzas malignas. Estas fuerzas se manifestarán en un antiguo monasterio abandonado donde la banda se ha refugiado.
SOBRE LA PELÍCULA: Más allá del terror muestra a Tomás Aznar llevando el cine de explotación español a un terreno de pura brutalidad, una mezcla de violencia criminal, ocultismo y horror sobrenatural. La película está protagonizada por Francisco Sánchez Grajera y Raquel Ramírez. Junto a ellos, Emilio Siegrist, y Alexia Loreto completan este elenco de personajes condenados, atrapados entre la violencia terrenal y una maldición oculta. Más allá del terror sigue siendo una obra cruda, excesiva y fascinante, en la encrucijada del thriller de explotación y la pesadilla satánica.
EXTRAS:
• La rehén maldita con la actriz Alexia Loreto (32 min)
• Del crepúsculo al amanecer con el historiador de cine Xavi Sánchez Pons (36 min)
• Tráiler
https://lechatquifume.myshopify.com/products/au-dela-de-la-terreur-bluray
Con el largometraje documental In Search of Darkness'70s. Journey Into Iconic '70s Horror, la productora independiente CREATORVC regresa a los años 70 con el mejor documental hasta la fecha, el más solicitado de todos los que ha producido. Y esta vez, con algo diferente… Por primera vez, incluirán en el Blu-ray un libro exclusivo que te llevará más allá del documental, repleto de detalles del rodaje y análisis de la película.
El paquete Blu-ray + Libro también incluye una entrada numerada, un certificado y tu nombre en los créditos junto al mejor elenco de leyendas del terror de los 70 jamás reunido. Al reservar ahora, tendrás acceso a las actualizaciones trimestrales exclusivas de producción, ¡además de la oportunidad de dar tu opinión sobre los primeros montajes del documental!
Actualiza al nivel de "Merchandising completo" para obtener 2 pósteres de la película, el póster con la lista de películas y una de las dos elegantes camisetas de Into of Darkness '70s a elegir. Patrocina hoy mismo a para reservar tu Blu-ray y el libro que lo acompaña, acceder a las actualizaciones exclusivas de producción y ver tu nombre en los créditos. La oportunidad termina el 1 de julio a medianoche.
El exorcista. Tiburón, Halloween, La masacre de Texas, Carrie, El amanecer de los muertos, La profecía, Alien, el octavo pasajero... Y muchas más… Los años 70 fueron una auténtica época dorada del cine de terror, un periodo de grandeza cinematográfica que definió nuestra visión del género durante las décadas siguientes, y estamos deseando explorarla.
El documental sigue con el formato único, destacando películas año tras año con capítulos intercalados que contextualizan elementos específicos de interés, incluyendo: 'El auge de los slashers'. Si bien el género slasher explotó en los 80, su origen se remonta a los 70, con La masacre de Texas y Black Christmas, que abrieron el camino para que cineastas ambiciosos se arriesgaran con proyectos de bajo presupuesto y gran impacto, creando sus propias películas slasher.
La producción de Into of Darkness '70s ya ha comenzado, y el director David Weiner ha iniciado la hercúlea tarea de reunir a las figuras más importantes del terror de los 70, con varias entrevistas ya realizadas. Esperan haber completado Into of Darkness '70s y estar listos para comenzar a distribuir el documental en julio de 2027.
Colabora aquí.
Prepárate para embarcarte en el viaje más extraordinario. Bajo la batuta de Constantino Martínez-Orts, recorreran mundos perdidos, galaxias lejanas y civilizaciones legendarias a través de la música.
Revivian en directo la fuerza arrolladora de obras maestras como:
El Señor de los Anillos
Juego de Tronos
Interstellar
Star Wars
Gladiator
Avatar
Stargate
Los Goonies
Dragonheart
Memorias de África
... ¡Y muchísimas sorpresas más!
Te esperan más de dos horas y media de intensa emoción, recuerdos y adrenalina. Porque algunas bandas sonoras no pertenecen solo a las películas; también forman parte de nuestra historia.
Estrenada en 1972 y dirigida por Peter Sasdy, esta séptima entrega protagonizada por Christopher Lee como Drácula y Peter Cushing como el Profesor Lawrence Van Helsing decidió algo que ningún estudio grande se había atrevido: sacar al vampiro más famoso del gótico victoriano y plantarlo en el Londres real de los años 70, con minifaldas, discotecas, tráfico, metro y toda la contracultura hippie.
La película nace de una necesidad comercial desesperada. Para 1972 el público joven ya no iba a ver castillos, damas victorianas y capas. Querían psicodelia, rock, sexo libre y rebeldía. Hammer estaba quebrando porque su fórmula de terror gótico de época se había agotado. Así que la productora tomó la decisión más arriesgada de su historia: modernizar a Drácula cueste lo que cueste.
El guion de Don Houghton arranca en 1872 con un prólogo que sí es Hammer pura. Johnny Alucard, un descendiente del Conde cuyo nombre es Drácula al revés, celebra una misa negra en una abadía en ruinas para resucitar a su amo. El Profesor Van Helsing de aquella época, antepasado del que veremos después, irrumpe, clava una estaca en el corazón de Drácula y mata también a Alucard. Cien años después, en 1972, un grupo de jóvenes londinenses celebra una fiesta en esas mismas ruinas. Hacen una sesión espiritista por diversión, sin creer en nada, y sin querer despiertan a Drácula de su sueño secular.
El Conde vuelve a la vida en un mundo que no reconoce. Ya no hay carruajes ni castillos aislados. Hay semáforos, coches, autobuses de dos pisos, pisos compartidos con alfombras peludas y una discoteca llamada "The Love Lounge" donde suena funk y wah-wah. Drácula, interpretado por un Christopher Lee que apenas tiene cinco líneas de diálogo porque el guion decidió hacerlo más animal que orador, deambula por la ciudad como un depredador fuera de lugar. Su chaqueta negra y su capa contrastan brutalmente con el Londres colorido y sucio de principios de los 70. Esa imagen de Lee caminando por un parque de día o bajando escaleras del metro es la esencia de la película: el mal antiguo invadiendo la modernidad. Para ayudarle aparece otro Johnny Alucard, líder de un culto satánico que mezcla drogas, sexo libre y rituales. El grupo de jóvenes del inicio, liderado por Jessica, tataranieta de Van Helsing, se ve arrastrado al conflicto. Jessica es interpretada por Stephanie Beacham y representa el choque generacional.
Empieza como una chica de fiesta, irresponsable, que va a la sesión espiritista por aburrimiento. Pero cuando ve lo que ha desatado, se convierte en la heroína que, junto a su abuelo Lawrence Van Helsing, debe detener al Conde. Peter Cushing está maravilloso aquí porque ya no es el Van Helsing elegante y seguro de 1958. Es un profesor mayor, con jersey de lana y gafas, perdido en el nuevo mundo, que tiene que aprender de los jóvenes para poder vencer. Su química con Beacham le da corazón a una película que de otro modo sería solo exceso. El duelo final ocurre en la iglesia en ruinas donde todo empezó. Hammer vuelve a su terreno con estacas, luz solar atravesando vitrales rotos y efectos prácticos de desintegración. La muerte de Drácula cuando el sol entra por el techo y lo reduce a ceniza es uno de los finales más visuales de toda la saga. Más allá de la trama, la película habla de algo más profundo: el choque entre tradición y juventud. Van Helsing representa la razón, los libros, la fe antigua. Los jóvenes representan el nuevo mundo, el sexo, las drogas, el escepticismo. Hammer se estaba mirando al espejo porque ellos eran los viejos del gótico intentando hablar el idioma de la contracultura para sobrevivir. La banda sonora de Mike Vickers refuerza esa idea con ritmos de discoteca en vez de orquesta clásica. Cuando Drácula entra en "The Love Lounge" la música suena más a Shaft que a Bernard Herrmann y eso descoloca al espectador tanto como descoloca al propio Conde. La estética de la película es un festín para los amantes de los 70. Decorados psicodélicos, ropa colorida, neón, grafitis en la abadía. El Londres que retrata ya no existe y por eso la película funciona como cápsula del tiempo. Ver a Drácula confundido por un taxi o acechando en un piso compartido tiene algo de absurdo y algo de perturbador a la vez.
Christopher Lee odió esta etapa. Él quería que Drácula tuviera diálogos, carisma, presencia verbal. En cambio el guion le quitó la voz para hacerlo más monstruo silencioso y Lee siempre dijo que él era actor, no un monstruo de creature feature. Aun así su presencia física sostiene la película. Con solo su mirada y su porte convierte escenas que podrían ser ridículas en momentos inquietantes. Peter Cushing y Lee solo comparten dos escenas porque Hammer ya no podía pagarles juntos todo el metraje, pero cuando están frente a frente se nota por qué definieron el horror británico durante dos décadas.
La recepción en 1972 fue mala. La crítica la destrozó diciendo que era Drácula conoce a Easy Rider y el público joven tampoco conectó porque era demasiado Hammer para ellos y demasiado moderna para los fans clásicos. Taquilla floja y Hammer siguió cuesta abajo. Pero con los años Drácula A.D. 1972 se convirtió en peli de culto. Hoy se valora su audacia porque fue la primera en actualizar a Drácula al presente. Universal no se atrevió a tanto hasta décadas después. La película es camp, es fallida, es desigual, pero es única. Tiene el prólogo gótico que los fans clásicos piden y luego el salto a los 70 que la hace distinta a todo lo demás. El guion envejece mal en los diálogos juveniles llenos de far out man cada dos minutos, y el presupuesto bajo se nota en los efectos y en los sets pequeños. Quitarle voz a Lee fue un error porque Drácula necesita hablar para intimidar. Y el tono no sabe si quiere ser terror serio o comedia involuntaria, pasando de una misa negra con sacrificios a chistes de hippies en cuestión de minutos. Aun con esos fallos, la película tiene méritos que la hacen imprescindible si te gusta Hammer. El ritmo es ágil, dura 96 minutos y no se hace larga. La fotografía en Technicolor conserva ese grano y esos colores saturados típicos de la productora.
Las ediciones Blu-ray de StudioCanal y Scream Factory restauran bien el material y permiten ver el detalle de los decorados y el vestuario. Para coleccionistas es una pieza clave porque marca el inicio de la etapa más experimental de Hammer antes de cerrar. Gracias a esta película vino The Satanic Rites of Dracula (Los ritos satánicos de Drácula) en 1973, que es aún más loca porque mete al Conde contra el MI6 y armas biológicas. Sin A.D. 1972 no existiría esa secuela.
En resumen, Dracula A.D. 1972 no es la mejor película de Drácula ni la mejor de Hammer, pero es la más valiente. Prefirió morir intentando algo nuevo que vivir repitiendo la misma fórmula de castillo y doncella. Si esperas gótico victoriano te vas a frustrar. Si vas con mente abierta, encontrarás una película que mezcla horror, psicodelia, sátira generacional y un Christopher Lee caminando por Londres como si fuera el último dinosaurio en una ciudad que ya no es suya. Es tan mala que es buena, tan anticuada que resulta moderna, tan fallida que se vuelve entrañable. Y por eso, 50 años después, sigue dando de qué hablar cada vez que alguien se pregunta qué pasaría si el Conde dejara Transilvania y se mudara a la ciudad.
El último volumen de Donald Fearney en su serie de películas de Hammer, "Dracula A. D. 1972" contiene más de 140 páginas con fotografías a color a tamaño completo, ¡perfectas para coleccionistas!
Nacido en Reino Unido en 1938, Johnson creció en una época donde “hacer magia” en pantalla significaba construir miniaturas a mano, ensuciarse de yeso, aprender óptica y entender física de forma intuitiva, porque no existía la tecla de “renderizar”. Su carrera arranca en los 60 en la BBC, donde empezó como asistente de modelos para series de ciencia ficción de bajo presupuesto. Allí aprendió el oficio desde cero: cortar balsa, esculpir plastilina, pintar weathering, montar cables de piano para que una nave “flotara”. Esa formación artesanal es la base de todo lo que vendría después.
Su primer salto importante llegó cuando Gerry Anderson lo reclutó para OVNI y Espacio: 1999. En Espacio: 1999 Johnson no solo construía los modelos de los Águilas, también inventaba formas de filmarlos. Anderson quería que las naves se movieran con peso, no como juguetes. Johnson desarrolló sistemas de rotación en varios ejes y usó cables finísimos, logrando que aquellas miniaturas parecieran vehículos de cientos de toneladas flotando en el vacío. Fue en esa serie donde Stanley Kubrick lo vio y pensó que ese chico podría resolverle un problema imposible para 2001: Una odisea del espacio. Años después, Kubrick lo recomendó a George Lucas cuando buscaba a alguien que pudiera hacer que el Halcón Milenario no pareciera de plástico. Y ahí es donde Brian Johnson cambia la historia del cine. George Lucas montó Industrial Light & Magic en un almacén y contrató a Johnson como supervisor de miniaturas para La guerra de las galaxias en 1976. ILM estaba llena de jóvenes sin experiencia y de veteranos de publicidad, pero Johnson trajo el rigor británico del model making. Él insistió en que las naves tuvieran “historia” en su superficie. Mientras otros pintaban gris liso, Johnson envejecía el Halcón Milenario con manchas de óxido, paneles reemplazados, marcas de carbono de disparos. Decía que una nave que viaja por la galaxia no puede estar limpia como un coche de concesionario. Ese concepto de “used future” que define a Star Wars viene en gran parte de su obsesión por el detalle. Johnson supervisó la construcción de los modelos del Halcón, los TIE Fighter, los X-Wing y la Estrella de la Muerte. Pero su contribución más grande fue técnica: perfeccionó el motion control. El sistema Dykstraflex de John Dykstra permitía repetir movimientos de cámara milimétricos para hacer pasadas de exposición múltiple. Johnson lo llevó al siguiente nivel.
Para la batalla de Yavin programó trayectorias complejas donde la cámara hacía paneos mientras las miniaturas giraban sobre ejes independientes. Cada disparo de láser era una exposición separada, cada nave un elemento fotografiado una y otra vez sobre el mismo fotograma de película. Pasaban semanas para conseguir tres segundos de pantalla. Cuando veas la Estrella de la Muerte explotando, piensa que eso son docenas de explosiones reales con pólvora y gasolina filmadas a alta velocidad, sincronizadas cuadro a cuadro. Johnson odiaba el “cut and paste” de efectos. Quería que la física se viera correcta. Si una nave giraba, el modelo tenía que girar con inercia, no parar en seco. Esa obsesión por el peso y la masa es lo que hace que las batallas espaciales de Star Wars sigan funcionando 45 años después mientras mucho CGI de los 2000 ya envejece mal.
Tras Star Wars, Lucas le dejó libertad y Johnson volvió a Reino Unido donde su carrera explotó en dos direcciones: ciencia ficción adulta (Moon Zero Two) y fantasía épica. Ridley Scott lo llamó para Alien, el octavo pasajero en 1979. Aquí Johnson no hacía naves, hacía criaturas y ambientes. Él construyó la cabeza del Alien adulta, los mecanismos hidráulicos que hacían que la mandíbula interna saliera disparada. Diseñó junto a H.R. Giger cómo se movería la criatura dentro del traje de Bolaji Badejo. La famosa escena del “chestburster” fue idea y ejecución de Johnson: usó un torso falso con vísceras de oveja, bombas de sangre y un títere que salía a presión. Rodaron en una toma porque nadie sabía qué pasaría y las reacciones de los actores son reales. Johnson entendía que el terror funciona cuando el efecto es tangible, cuando los actores pueden tocarlo y reaccionar a algo físico. Ese Alien no es CGI, es látex, cables y una ingeniería brutal.
Después de Alien, el octavo pasajero llegó El Imperio contraataca en 1980 y Johnson volvió a ILM como supervisor de efectos visuales. Aquí su trabajo es aún más ambicioso. Tuvo que crear Hoth, los AT-AT, los Tauntauns y la ciudad de las nubes. Los AT-AT son su obra maestra técnica. Son modelos de solo 50 cm de alto pero Johnson diseñó un sistema de go-motion, un precursor del motion control, que movía el modelo un poquito entre cada fotograma y añadía blur de movimiento. Así los AT-AT caminan con peso, no tiemblan como stop-motion tradicional. Le llevó meses programar cada paso. Cuando ves a Luke colgarse de un AT-AT con el cable, estás viendo un modelo de 50 cm filmado con una grúa de cámara y un cable de piano. Johnson también supervisó el planeta Dagobah, donde todo el pantano era un set con agua real, niebla y miniaturas de árboles que él mismo había envejecido con musgo y barro. Lucas quería que el mundo se sintiera vivo y Johnson lo consiguió ensuciándolo todo.
Tras Star Wars su reputación era tal que Hollywood entero quería contratarle. Trabajó en El dragón del lago de fuego de 1981, donde diseñó al dragón Vermithrax Pejorative. Era un títere de 12 metros con 40 puntos de articulación, piel de látex y fuego real de propano. Johnson pasó un año estudiando anatomía de murciélagos y cocodrilos para que las alas se movieran de forma biológica. El dragón es tan creíble que ganó el Oscar a efectos visuales y todavía hoy asusta más que muchos dragones digitales. En La historia interminable de 1984 él no trabajó directamente pero su influencia se nota en cómo Bavaria Studios construyó a Fújur: la idea de que un monstruo de fantasía necesita peso y respiración viene de Johnson.
En los 80 también hizo Abyss de James Cameron. Cameron es un perfeccionista obsesivo y Johnson era el único que podía seguirle el ritmo. Para las escenas submarinas Johnson desarrolló técnicas para filmar miniaturas bajo el agua sin que se vieran burbujas, usando agua destilada y tanques enormes. El “pseudópodo” de agua que imita rostros fue un híbrido de efectos prácticos y ópticos donde Johnson diseñó el sistema para que el agua pudiera moldearse y volver a su forma. Cameron diría después que sin Johnson esa película no habría sido posible.
A finales de los 80 y 90 Johnson siguió trabajando pero el cine cambió. Llegó el CGI y muchos artistas de efectos prácticos se quedaron atrás. Johnson no. Él entendió que la computadora era solo otra herramienta. Trabajó como supervisor en El quinto elemento de Luc Besson, donde mezcló miniaturas físicas de Nueva York del futuro con extensiones digitales. Diseñó el diseño físico del taxi de Korben Dallas para que luego los animadores digitales tuvieran una referencia real de proporciones y reflejos. Siempre decía que los artistas digitales necesitaban tocar algo real antes de modelarlo, porque si no el cerebro nota que algo está mal.
Su última gran contribución mainstream fue en Batman de Tim Burton 1989 y Batman Returns 1992, donde supervisó las maquetas de Gotham City. Esas torres góticas, húmedas, imposibles, son modelos físicos de varios metros que Johnson iluminó con luz lateral para que proyectaran sombras largas. Cuando Burton quería que Gotham pareciera una ciudad que nunca duerme, Johnson respondió construyendo una ciudad que nunca se secaba, con agua constante escurriendo por las maquetas.
El trabajo de Brian Johnson se puede resumir en tres obsesiones. Primera: la luz. Él pasaba horas probando ángulos de luz porque sabía que la luz vende la escala. Una miniatura de 30 cm parece de 3 km si la luz le pega como si fuera el sol. Segunda: el detalle innecesario. Ponía tornillos que nadie vería, óxido en sitios donde la cámara no llegaba. Decía que “el actor lo siente aunque el público no lo vea”. Tercera: la física. Si algo se mueve, tiene que moverse como en el mundo real. No aceptaba que una nave de 100 metros girara como una peonza. Por eso sus efectos envejecen bien: porque obedecen leyes físicas que nuestro cerebro reconoce aunque no las entienda.
En 2005 recibió un Oscar honorífico de la Academia por su contribución a los efectos visuales. No fue por una película concreta sino por toda una carrera enseñando a Hollywood que los efectos no son trucos, son narrativa. Cuando el Halcón Milenario entra en hiperespacio, cuando el Alien sale del pecho de Kane, cuando Vermithrax abre las alas, no estás viendo técnica. Estás viendo emoción construida con plastilina, metal y luz. Johnson siempre fue humilde.
En entrevistas decía que él solo era “un carpintero que tuvo suerte”. Pero los directores saben la verdad. Ridley Scott lo llama “el hombre que hace creíble lo imposible”. George Lucas dijo que sin Johnson Star Wars no habría funcionado. James Cameron lo contrató tres veces porque sabía que si Johnson decía que algo se podía hacer, se podía hacer.
Hoy, en la era del CGI, su legado es más importante que nunca. Los estudios vuelven a él cuando quieren que algo se vea “real”. Sí, El Mandaloriano usa StageCraft con pantallas LED, pero el equipo de efectos prácticos estudia a Johnson para entender cómo envejecer las naves. Christopher Nolan insistió en volar un avión real en Tenet porque vio el trabajo de Johnson en los 80 y entendió que el público nota la diferencia. Los artistas de Weta Workshop, de Legacy Effects, de todos los talleres de efectos prácticos modernos, tienen libros de fotos de las miniaturas de Johnson en sus mesas.
Johnson vivía retirado en Reino Unido pero seguía dando charlas en escuelas de cine. Su consejo siempre fue el mismo: “Toca el material. Si no puedes construirlo con tus manos, no entiendes cómo funciona”. Para él los efectos especiales no son magia digital, son artesanía. Son entender cómo se oxida el metal, cómo cae la lluvia sobre una superficie, cómo se dobla un ala cuando soporta peso. Cosas que no se aprenden en un tutorial de After Effects.
Si repasas su filmografía te das cuenta de que él no hizo muchas películas, hizo películas que cambiaron el lenguaje visual. Star Wars enseñó al mundo cómo se ve el espacio. Alien enseñó cómo se siente el terror corporal. El dragón del lago de fuego enseñó cómo se mueve un animal que no existe. El Imperio contraataca enseñó que una batalla puede tener estrategia, peso y consecuencias. Y todo eso lo hizo un tipo con delantal, herramientas y paciencia infinita. En una industria obsesionada con lo nuevo, Brian Johnson recordaba que lo viejo también funciona si se hace bien. Él no tenía ordenadores, tenía talento. No tenía render farms, tenía tornillos. Y aun así creó imágenes que dos generaciones de niños vieron y pensaron “esto es real”. Esa es la marca de un gran artista de efectos: que te olvides de que son efectos.
Ahora que ha fallecido, su legado no serán los Oscars ni los créditos. Su legado será cada vez que un niño vea el Halcón Milenario y crea que podría subirse a él. Será cada vez que alguien sienta un escalofrío viendo salir al Alien. Será cada vez que un artista joven coja plastilina y diga “voy a construir algo que parezca de verdad”. Porque eso es lo que Brian Johnson nos enseñó: que la fantasía solo funciona si la construyes con las manos, con respeto a la física y con amor por el detalle.
D.E.P.
Este set reúne dos de las obras más queridas y elaboradas de Trnka: su impresionante colección de mitos bohemios, Leyendas checas antiguas (1953), y su himno a la tierra, la historia y el pueblo checos, El año checo (1947). Estos épicos espectáculos de animación combinan una elaborada cinematografía, diseño y manipulación de marionetas con una narración mágica y un elenco de personajes deliciosamente fantásticos.
• Edición limitada de dos discos con estuche protector, limitada a 2000 copias.
• Leyendas checas antiguas (Stare povesti ceske, 1953) y El año checo (Spalicek, 1947) se presentan a partir de restauraciones en 4K realizadas por el Archivo Nacional de Cine Checo.
• Michael Brooke sobre Jiri Trnka y la animación checa: Un nuevo y extenso videoensayo.
• Introducción a ambas películas.
• El documental Las marionetas de Jiri Trnka.
• Noticieros checos de archivo sobre Trnka.
• La Mano (Ruka, 1965): El renombrado cortometraje de animación de Trnka.
• Gallina mal pintada (Spatne namalovana slepice, 1963): el aclamado cortometraje de animación del coguionista de Viejas leyendas checas y colaborador habitual de Trnka, Jirí Brdecka.
• Tráiler.
• Folleto con textos de los expertos en cine checoslovaco Peter Hames y Jonathan Owen.
• Nuevas y mejoradas traducciones de subtítulos al inglés.
• Blu-ray multirregión (A/B/C).
• Estrenos mundiales en Blu-ray.
• + MÁS INFORMACIÓN PRÓXIMAMENTE
• **PRIMERA EDICIÓN LIMITADA CON ESTUCHE – estrictamente limitada a 2000 copias**
Todas las características están sujetas a cambios.
Este es un disco en preventa que se lanzará en julio de 2026.
Ya está disponible online el muy extendido y último número de MUCHAS GRACIAS SEÑOR LOBO!
- 21 × 29.7 cm, 604 páginas,
- completamente en color,
- tapa dura de alta calidad con espalda redonda,
- costura de hilo y
- lugar parcial en la portada
Más de 2.200 imágenes de material promocional raro para las películas de Paul Naschy, muchas de las cuales serán publicadas por primera vez en este libro
- Contenido bilingüe constantemente (alemán/inglés)
- Vorwort von Paul Naschys Sohn Sergio Molina
Gracias nominal en el libro para los primeros 300 compradores
- Cuatro impresiones de edición limitada con bocetos de Paul Naschy para los primeros 300 compradores
Para componer la música de El día de la revelación, Steven Spielberg recurrió a su amigo y colaborador de toda la vida, John Williams. Nominado al Oscar en 54 ocasiones y ganador de cinco (El violinista en el tejado, Tiburón, Star Wars, E.T., el extraterrestre, La lista de Schindler), Williams también compuso la banda sonora de Encuentros en la tercera fase e Inteligencia artificial de Spielberg, memorable por su icónica frase tonal de cinco notas utilizada para comunicarse con los extraterrestres. La banda sonora de El día de la revelación marca la trigésima colaboración cinematográfica entre Spielberg y Williams.
“¿Pueden creer que esta es nuestra trigésima película juntos?”, dice Spielberg. “John acaba de cumplir 94 años y sigue siendo tan excepcional como a los 40. Es sencillamente extraordinario, la profundidad y la amplitud de su carrera. La banda sonora de El día de la revelación es probablemente la más sobria que ha compuesto para una de nuestras colaboraciones, al menos hasta que deja de serlo. Pero hasta ese momento, se contiene de una manera sutil y hermosa que enriquece la experiencia. Es como si acompañara la película desde un segundo plano, impulsándola hacia adelante. Componer la música suele ser lo último que hacemos y siempre digo que es la recompensa por terminar una película: la recompensa de poder escuchar una nueva banda sonora de John Williams”.
En una carrera que abarca más de seis décadas, John Williams se ha convertido en uno de los compositores estadounidenses más consumados y exitosos para cine y música de concierto, y sigue siendo una de las voces musicales más distinguidas e influyentes de nuestra nación. Ha compuesto la música y ejercido como director musical de más de cien películas, incluyendo las nueve películas de Star Wars, las tres primeras de Harry Potter, Superman, JFK, Nacido el 4 de julio, Memorias de una geisha, Un horizonte muy lejano, El turista accidental, Solo en casa y La ladrona de libros. Su colaboración artística de más de cinco décadas con el director Steven Spielberg ha dado como resultado muchas de las películas más aclamadas y exitosas de Hollywood, como La lista de Schindler, E.T., el extraterrestre, Tiburón, Parque Jurásico, Encuentros en la tercera fase, las películas de Indiana Jones, Múnich, Buscando al soldado Ryan, Las aventuras de Tintín, War Horse, Lincoln, Mi amigo el gigante, The Post, Los Fabelman y El día de la revelación.
La edición de lujo de doble LP incluye el álbum completo de 16 pistas, vinilo color "Blue Iris", fundas desplegables de alta calidad con acabado mate UV, fundas interiores impresas y notas exclusivas de Steven Spielberg. El CD también incluye las notas.
Descubre los secretos de The Odyssey: Una película de Christopher Nolan con este vistazo exclusivo entre bastidores de la película más esperada del verano de 2026.
"Filming The Odyssey: Inside the Making of Christopher Nolan's Modern Epic" recorre el proceso de creación de la última película de Nolan, desde el guion hasta la pantalla, a través de entrevistas exclusivas con el director, el reparto y el equipo, acompañadas de imágenes impactantes de la película, incluyendo fotos del rodaje, arte conceptual y material de investigación.
CHRISTOPHER NOLAN: Adéntrate en el proceso creativo del galardonado director y descubre los entresijos de su última película.
REPARTO ESTELAR: La esperadísima película cuenta con un reparto impresionante, que incluye a Matt Damon, Anne Hathaway, Tom Holland, Robert Pattinson, Zendaya, Benny Safdie, Lupita Nyong'o, Jon Bernthal, Elliot Page, Charlize Theron, Mia Goth y muchos más.
ENTREVISTAS EXCLUSIVAS: Este libro incluye un relato con acceso total al proceso de creación de la película, con entrevistas a los principales protagonistas, incluido el propio Christopher Nolan.
Titán Books
Tapa dura
Páginas: 280
Cuatro películas icónicas y escalofriantes del cine gótico de Hammer, novelizadas por un autor superventas, con un nuevo prólogo del autor Stephen Laws y un nuevo epílogo del guionista Stephen Volk. Incluye Drácula: Príncipe de las Tinieblas, dirigida por Terence Fisher y protagonizada por Christopher Lee, junto con El Reptil, Rasputín: El Monje Loco y La Plaga de los Zombis.
EL REPTIL. Desde las sofocantes selvas de Borneo hasta un remoto pueblo de Cornualles llegó la diabólica maldición que convirtió a una hermosa joven en un horror sin nombre.
DRÁCULA, PRÍNCIPE DE LAS TINIEBLAS. La sangre se mezcla con las cenizas y se convierte así en una fuerza vital que alimenta los malvados deseos de un vampiro.
RASPUTÍN, EL MONJE LOCO. Hipnotizador, seductor, libertino y borracho, gobernó la corte del zar como un demonio encarnado.
LA PLAGA DE LOS ZOMBIS. Un infame ritual vudú proyecta su sombra bárbara sobre una aldea de "muertos vivientes".
Páginas: 336
